Yo genrefans!

februari 21, 2012

 

Trash is king! har precis börjat på sin praktik och har lite ont om tid just nu. Det tar ett tag innan man kommer in på en ny arbetsplats. Och ett nytt arbete. Jag är därför svintrött på kvällarna och behöver en liten paus.

Surfa tillbaka in på den här bloggen lördagen den 25 februari så kommer ni att mötas av nya inlägg.

Annonser

Dust Devil (1992)

februari 18, 2012

Senast jag skrev om Richard Stanley så sa jag att han hade grym potential. Hur står sig då hans drömprojekt jämfört med Hardware? Dust Devil är en jävligt konstig film. Den blandar fantastisk kvalité med trash, och regissören skäms inte för någon av uttrycksformerna. Detta gör sydafrikanen till en Dario Argento-figur (vilket inte är så konstigt eftersom det är hans favoritregissör). Extremt väl genomförda konstnärliga visioner blandas med gore och haltande skådespel. Stanley hade även andra problem. När den här filmen först var klar så hatade den amerikanska distributören Miramax resultatet. De klippte ner Dust Devil med över 30 minuter. Samtliga övernaturliga aspekter fick stryka på foten och Zakes Mokaes roll minimerades (provocerande eftersom han är en svart huvudperson i en film som utspelar sig i Afrika). Detta ledde till en lång konflikt mellan Stanley och bolaget. Slutligen lyckades han samla ihop tillräckligt med egna pengar för att klippa om filmen som den var tänkt från början. Det är denna final cut jag sett. Vad jag hört om den ursprungliga bioversionen är att den känns som en väldigt stympad film. Inte så konstigt kanske, eftersom Dust Devil förlitar sig tungt på långa stämningsskapande scener. Manuset har två inspirationskällor. Dels grundar det sig på mardrömmar Stanley hade när han var yngre och dels är den influerad av en verklig seriemördare som härjade i södra Namibia (runt den lilla staden Bethany). Och det är i just Namibia större delen av den här filmen är inspelad. Inspelningen hade stora problem med regionens sandstormar. Filmens producent JoAnne Sellar lyckades även gå vilse i öknen när hon letade efter inspelningsplatser. Alla dessa historier runt Dust Devil har gett den ett ordentligt kultfölje.

Wendy (ganska attraktiva Chelsea Field) flyr från sin våldsamma make (Rufus Swart) och börjar köra mot den namibiska gränsen. Hon vill ut ur Sydafrika och se havet. Samtidigt så mördas en kvinna på en gård och hela stället bränns ner. Snuten Ben Mukurob (Zakes Mokae) utreder mordet och besväras av de rituella målningar som gjorts med kvinnans blod inne i det nedbrända huset. Samtidigt plågas han av fruktansvärda mardrömmar som omfattar den kvinna som lämnade honom. Ben väljer motvilligt att kontakta en schaman (som bor i en övergiven drive-in biograf) för att få reda på mer om symbolernas innebörd. Han lär sig att de rituella målningarna pekar mot en Nhadiep, en demon som kan anta vilken form som helst (alltså en shapeshifter). Enligt legenderna så färdas den med vinden och jagar de oälskade och de som inte har något att leva för. Just nu så är varelsen försvagad och har svårt att bryta sin mänskliga form (spelad av duktiga Robert John Burke). Den behöver döda för att öka sin kraft. På väg genom öknen träffar Wendy varelsen och ger den lift. Mannen har en märklig dragningskraft på henne och de slutar som älskare. Inte långt efter bevittnar varelsen när Wendy överväger att ta livet av sig och han börjar tveka om han ska att döda henne. Märkliga saker händer snart i deras omgivning. Samtidigt lyckas Ben springa på Wendys make, som begett sig iväg för att hitta sin fru, och dessa slår sig ihop eftersom polisen förstått att kvinnan kommer att leda honom till varelsen. Allt kulminerar på en dammig gata, i en övergiven spökstad, mitt i den namibiska öknen.

Dust Devil är en poetisk övernaturlig thriller med en stark stämning av den afrikanska kontinenten. Filmen tjänar extremt mycket på att vara inspelad på plats och naturbilderna tar ibland andan ur en. Stanley är noga med att etablera en realistisk kontext för sin skräckhistoria och filmen lyckas (med små medel) skildra kontinentens rasmotsättningar och även ge en känga åt Afrikas koloniala historia. I början av filmen var jag lite förvånad att så många av karaktärerna är vita, men efter hand så förstod jag att detta har en poäng. Alla européer i Dust Devil är extremt ensamma människor, utan någon livslust, och detta gör att Nhadiep dras till dem. Men Dust Devil är även en western. Referenserna till denna genre är många. I filmens slut ställs till exempel Mokaes polis mot den övernaturliga varelsen i den folktomma staden. Båda bär hatt och trenchcoat och scenen är som hämtad ur en random western. Denna originella genremix gör Dust Devil väldigt unik. Vissa scener i filmen är även så vackra att de blir rörande. De är så fyllda till bredden med mystik och symbolik att de känns genom hela kroppen. Stanley framstår här som en väldigt karismatisk och spirituellt sofistikerad sektledare. Det låter som om jag älskar den här filmen, eller hur? Nästan. Dust Devil har även ganska stora brister. Det märkas att filmen har klippts om flera gånger. Dramaturgin har blivit lite lidande på vägen (det fattas fortfarande runt en kvart från råklippningen). I vissa partier tar sig Stanley tid att etablera hur karaktärer möts och skapa en känsla av att resa in i det okända. Men framåt slutet så händer saker väldigt snabbt och karaktärer möts av en slump som kanske inte känns så trovärdig. Nästa problem är skådespeleriet. Fantastiskt duktiga skådespelare ställs bredvid folk som är ganska horribla. Absolut sämst är rättsmedicinaren som säger sina repliker så otroligt styltigt att det hörs att hon har haft svårt att memorera dem. Zakes Mokae är tyvärr också ganska svajig. I vissa scener är han riktigt bra, medan han i nästa stund i princip stakar sig. Det känns därför som om vissa scener hade mått bäst av en omtagning och det verkar som om produktionsbolaget hetsade Stanley att avsluta filmen snabbt. Vad jag läst så var det även bråk mellan Stanley och Miramax runt casting och vilka skådespelare som skulle få olika roller. Som tur är så är Robert John Burke riktigt bra i rollen som den övernaturliga varelsen och Chelsea Field fungerar också helt ok (och hon var inte Stanleys val som Wendy). I slutändan så är Dust Devil (precis som Hardware) en skum mix mellan högt och lågt. Den går från konstfilm till gore och sleaze på några sekunder och kryddar allt med westernposer. Någonstans så förstår jag att Miramax gick in med saxen för detta är absolut inte en kommersiellt gångbar film. Men samtidigt så är den märkligt fascinerande och ibland tom rörande…

Jag är ett fan av Richard Stanley, men samtidigt medveten om att det är en regissör som du antagligen älskar eller hatar. Någonstans är jag övertygad om att han är lite knäpp och allt beror på om du anser att han är det på ett bra sätt eller ett dåligt. Vill du se någon av hans filmer så hade jag nog rekommenderat dig att se Hardware först. Gillar du den så är du redo för Dust Devil

Trailer för Stanleys omklippta version. Musiken bidrar sjukt mycket till filmens stämning…

Visitor Q (2001)

februari 15, 2012

Det var länge sedan jag skrev om någon film från Asien. För att fira återkomsten till denna kontinent så har jag valt ut en genrerulle med stor omsorg. Som ni trogna läsare vet så är jag ett stort fan av Takashi Miike. Han är alltid uppfinningsrik, alltid originell och alltid provocerande och tankeväckande. Jag har redan tillägnat en post åt Gozu och den fick trängas där med mina absoluta favoritfilmer genom tiderna. Eftersom jag försöker variera mina Il Maestro-poster och lyfta fram filmer av olika regissörer, så får Visitor Q nöja sig med en vanlig recension. Men jag kan avslöja för er att valet mellan Gozu och Visitor Q var svårt. Miike har alltid ledigt rört sig mellan olika genrer och olika budgetklasser. Han är älskad på crediga filmfestivaler (13 Assassins var nominerad till Guldlejonet vid filmfestivalen i Venedig 2010 och vann ett hedersomnämnande) och lika älskad av trashiga genrefans. Visitor Q är nog en av de filmer Miike gjort som har haft absolut lägst budget. Den var en del av Love Cinema-serien; ett experiment som drogs igång av den japanska studion CineRocket och producenterna Reiko Arakawa och Susumu Nakajima. Projektet var influerat av dansk Dogma. Sex independent-regissörer fick total konstnärlig frihet att experimentera med digital video. Filmerna var riktade mot DVD-marknaden, men CineRocket körde även alla som en serie på Shimokitazawa-biografen i Tokyo. Miikes film var den sista Love Cinema-produktionen. Det är på många sätt en av hans allra mest personliga filmer. Visitor Q är en nattsvart komedi om 2000-talets mediasamhälle och en spark i skrevet på hela reality tv-svängen. Det är även en film som tydligt är influerad av Pier Paolo Pasolinis Teorema från 1968. Jag kommer att återkomma till denna koppling. Visitor Q är en sinnessjukt provocerande film. Den skildrar incest, drogmissbruk, sexuella mord, nekrofili, bajssex, mobbing, barn som misshandlar sin föräldrar plus mycket mer. Det är även en subversiv kritik mot den japanska, patriarkala kärnfamiljen och traditionalismen i det japanska samhället i stort. Det är alltså absolut inte en film för alla. Jag vet otaliga människor som inte pallat se klart hela filmen. Men samtidigt så är Visitor Q en hysteriskt rolig film, full av fullständigt utflippad svart humor. Det är som om Miike blinkar åt publiken och säger: ”Hur fan kan du ta allt det här på allvar?” Den stora risken är att du som tittare inte alls klickar med filmens humor. Om du inte gör det så tror jag att den blir fullständigt outhärdlig att titta på. Jag tycker Visitor Q är hysteriskt rolig.

Ken`ichi Endo spelar Kiyoshi, en reporter som planerar att göra ett tv-program om dagens japanska ungdom. Filmen börjar med att han sitter på en pendeltågsstation. En mystisk främling (Kazushi Watanabe) går förbi och slår plötsligt en sten i hans huvud. Detta blir startskottet på alla konstigheter. Snart får Kiyoshi reda på att hans grymt snygga dotter Miki (snuskaktrisen Fujiko) prostituerar sig i smyg. Han bestämmer träff med henne på ett hotellrum för att med videokamera dokumentera hennes arbete. Istället slutar det med att de knullar. Främlingen anländer snart hemma hos Kiyoshi och det visar sig att det inte bara är pappan och dottern som är gravt dysfunktionella. Mamman (Shungiku Uchida) är grymt deprimerad och skjuter heroin. En bidragande orsak till hennes dåliga psykiska hälsa är att Mikis lillebror (Jun Muto) misshandlar henne grovt i tid och otid. Han är själv mobbad i skolan. Men främlingen verkar kunna hjälpa familjen på de mest märkliga vis. Genom att massera mammans bröst lyckas han få igång hennes mjölkproduktion och hon återvinner sin kvinnlighet. Han börjar även hjälpa Kiyoshi med att spela in hans program. När reportern träffar sin älskarinna så tar plötsligt en våldsam sexualitet över. Han misshandlar den unga kvinnan, våldtar henne och stryper henne. Hela tiden håller främlingen i kameran. Det är nu som om Kiyoshis sexualdrift blir omättlig och han börjar ha sex med den döda kvinnan. Efter ett tag stelnar dock liket och han fastnar med kuken i henne. Hela den här situationen gör det lite svårt att göra sig av med kroppen. Men kanske kan främlingen även hjälpa honom med detta?

När man försöker att beskriva handlingen i Visitor Q så låter den endast störd. Detta beror på att det inte är det vi får se som är det relevanta utan istället den rika subtexten. Miike beskriver hur det moderna mediasamhället styrs av chockvärden som uppmuntrar folk att leva ut sina allra mest förbjudna sidor. Jag minns kvällstidningsrubrikerna om svenska Big Brother i början av 2000-talet. De lyfte fram att det var nytt rekord i hur lång tid det tagit innan två av deltagarna knullade i huset. I denna kontext passar Visitor Q perfekt. Alla filmens karaktärer lever ut sina trauman genom att försöka synas mest. Och de är beredda att gå hur lång som helst för att lyckas med detta. Men filmen är även en kritik av den moderna japanska medelklassfamiljen. Det är här Miike låtit sig influeras av Pasolinis Teorema. Han har lånat konceptet med främlingen som anländer och avslöjar familjemedlemmarna för deras hyckleri. På något märkligt sätt blir han även deras förlösning och räddning. Genom att familjemedlemmarna lever ut sina perversioner med främlingens hjälp så kan de även börja mötas bortom traditionella hierarkier och borgerliga normer. I slutet av filmen etableras mamman som hela familjens moder (inklusive Kiyoshis) och familjestrukturen antar formen av ett matriarkat. Det andas lycka och hoppfullhet. Tycker ni min analys är pretentiös? Jag har svårt att se Visitor Q på något annat sätt. Den inbjuder verkligen till den här typen av tolkning. Det är en rik filmupplevelse som sträcker dig långt bortom sina uppenbara chockeffekter och sin nattsvarta humor. Visitor Q är grymt lågbudget. Den är helt och hållet inspelad i riktiga miljöer och utan extra ljussättning. Men som ni säkert förstått så har Miike anpassat historien efter förutsättningarna. Det finns en poäng, utifrån filmens handling, att vi får se det mesta utspela sig genom en digital videokamera. Men om Miike lyckas vända denna aspekt till en styrka så är det svårare med chockeffekterna. Denna film är en mästare på att stöta bort sin publik. Var därför jävligt försiktig innan du ser den och fundera på om du kommer att palla trycket…

Jag älskar Visitor Q. Det finns väldigt lite i filmhistorien som liknar den och den är ett starkt bevis på att Takashi Miike är en fantastisk postmodernistisk filmskapare. Det är en film som känns så långt före sin tid att det antagligen kommer dröja ytterligare 20 år innan den omvärderas och skrivs in i filmteorins historieböcker.

Läs gärna även min recension av Agitaror, biografin över Takashi Miike.

Lyssna även på filmens fantastiska ledmotiv skrivet av Real Time.

Trailern marknadsför filmen (genom svincoola animationer) som en absurd komedi, vilket den är…

Cult of the Cobra (1955)

februari 11, 2012

Jag har märkt att 50-talet varit lite av ett svart hål här på bloggen. Detta kanske inte är så konstigt eftersom majoriteten av mina favofilmer gjordes under 70- och 80-talet. Dock betyder det inte att det inte gjordes några obskyra rullar (som passar Trash is King!) under detta årtionde. Cult of the Cobra kanske inte tillhör de allra mest udda genreyttringarna från 50-talet, men filmen är sannerligen bortglömd. Den fungerade lite som konstgjord andning för Universals skräckdivision. Under 50-talet så hade studion tappat sin forna glans. Universal var en gång i tiden bidragande till att forma den moderna skräckgenren (genom filmer som tex Tod Brownings Dracula, James Whales Frankenstein och Karl Freunds The Mummy), men framåt 40-talet så började bolaget långsamt att tappa flås (George Waggners epokavgörande varulvsfilm är undantaget). De grävde ner sig i allt mer spekulativa uppföljare ju längre tiden gick och blev omsprungna av sina kreativa efterföljare. I ett sista desperat försök att återvinna sin skräck-cred så sneglade Universal på just dom som sprang ifrån dem från första början; Val Lewton och RKO Pictures. Cat People hade ju varit en succé och Universal försökte sig nu på en ganska skamlös kopia. Som regissör satte de Francis D. Lyon, en ganska tråkig gun for hire. Målet var att göra en lite sexig skräckfilm om exotism och förbjuden kärlek. Och om en vacker kvinna som kan förvandla sig till ett djur…

Sex amerikanska soldater, som varit stationerade i Stilla havet, har permission i Indien. Andra världskriget är slut och de har lite tid att roa sig innan det är dags att resa hem. De drar runt och beter sig allmänt svinigt mot befolkningen. När de träffar en ormtjusare, får de höra talas om en hemlig sekt som dyrkar kvinnor som kan förvandla sig till ormar. Soldaterna försöker övertala ormtjusaren att ta med dem på en av sektens ritualer, men han vågar inte. Slutligen erbjuder de honom en massa pengar (the american way!) och den fattiga mannen viker sig. Men soldaterna måste lova att vara väldigt diskreta. Detta skiter de såklart fullständigt i. Så snabbt en kvinna i helkroppsstrumpa dansar upp ur en korg börjar en av soldaterna att fotografera allting från under sin kåpa. Sekten kommer på amerikanerna och soldaternas lösning är att de misshandlar alla som är där och sätter fyr på templet! Innan de lyckas fly skriker dock sektledaren att de är förbannade och att de alla kommer dö. Redan natten efter så kommer en orm in i en av soldaternas rum och biter ihjäl honom. De övriga fem åker tillbaka till USA och börjar leva civila liv. Historien kretsar nu runt två av dem; Paul (Richard Long från House on Haunted Hill) och Tom (Marshall Thompson från bla Fiend Without a Face). Dessa är rumskamrater och snart flyttar en mystisk kvinna in i lägenheten mittemot. Hon heter Lisa Moya (genreaktrisen Faith Domergue) och Tom blir störtförälskad i henne. Men Lisa stöter bort honom och självklart ruvar hon på en ganska uppenbar hemlighet. Hon är utsänd av sekten och kan förvandla sig själv till en orm. Snart börjar de återstående soldaterna att dö och Paul (den enda sympatiska karaktären i hela filmen) börjar misstänka att Lisa har en koppling till dödsfallen. Tom vägrar dock att lyssna och Lisa själv börjar få tvivel eftersom hon förälskat sig i honom…

Rent tekniskt så är Cult of the Cobra välgjord. Den är snyggt filmad och har några imponerande scener för sin tid (som bilkraschen). Filmen är även ganska fartfylld och historien rör sig i ett bra tempo. Men manuset är en stor jävla klyscha. Hela filmens grundkoncept är stulet rakt av från Cat People och allting blir därför väldigt förutsägbart. Där Jacques Tourneur lyckades utvinna märklig poesi ur det här konceptet och säga någonting om kvinnlig sexualitet i 40-talets USA, så har Lyon inga sådana intressen överhuvudtaget. Istället så fläskar han på rejält med sentimentalitet. Det finns även andra stora skillnader. I Cat People så är Simone Simons kattkvinna filmens huvudperson, medan det i Cult of the Cobra istället är de grymt osympatiska soldaterna. Detta skapar ganska stora problem med identifikationen. Du bryr dig helt enkelt inte om de lever eller dör. Det finns inte heller samma ambivalens runt de övernaturliga elementen. Vi vet i princip omedelbart att Faith Domergue kan förvandla sig till en orm och att det bara är en tidsfråga innan huvudpersonerna förstår detta. Trots att filmen har en större budget och är mer tekniskt imponerande så känns den ändå som en fattigmanskopia av en bättre film. Framförallt så förstår jag hur bra Tourneurs film faktiskt är när jag tvingas jämföra de båda. Det finns dock ändå ett underhållningsvärde i Cult of the Cobra. Den fungerar som tidsfördriv och är absolut inte tråkig. Men den är även ett sorgligt monument över hur fattiga Universal var på idéer under 50-talet…

Det är svårt att rekommendera Cult of the Cobra. Vi du se någon av Universals gamla skräckfilmer så hade jag nog tipsat om James Whales The Old Dark House från 1932. Den har något som Cult of the Cobra saknar, nämligen originalitet…

Filmens bästa scen är absolut själva ritualen i början. Den lyckas vara både absurd och ganska stämningsfull…

The Vault of Horror (1973)

februari 7, 2012

Jag tycker att jag tjatar en hel del om det brittiska skräckbolaget Amicus Productions här på bloggen. Men ändå har jag inte recenserat en enda av de antologifilmer som gjorde dem kända. Sju stycken blev det totalt (om jag inte räknat fel) mellan åren 1965 till 1973. The Vault of Horror är alltså sen i denna cykel och kom samma år som en annan av bolagets antologiskräckisar; From Beyond the Grave. Samma år kom även en TREDJE antologifilm som hette Tales That Witness Madness. Den kan eventuellt vara en ÅTTONDE antologifilm från Amicus, men fans debatterar om bolaget verkligen låg bakom den filmen eller inte. Hur som helst så var det brittiska filmbolaget pionjärer inom den här formen av skräckfilm. Flera gånger filmatiserade de historier från dåtidens stora skräckserietidningar. Året innan så hade Amicus gjort den allra första filmatiseringen av historier från Tales from the Crypt. Även The Vault of Horror var en serietidning som gavs ut av EC. Den publicerades första gången i början av 50-talet och återutgavs under 60- och 70-talet. En av Amicus grundare, Milton Subotsky, skrev om historierna för vita duken. Han hade tidigare skrivit manuset till bolaget första antologifilm; Dr. Terror`s House of Horrors. Regissör blev en riktig genreveteran. Roy Ward Baker började hos konkurrenten Hammer där han bland annat gjorde Scars of Dracula och The Vampire Lovers. Han var även regissören bakom Quatermass and the Pit som byggde på den kultiga sci fi-serien. Men Bakers största bedrift var nog att regissera den antagligen bästa antologifilmen som Amicus lyckades spotta ur sig; Asylum. Man kan säga att det var lite av ett dream team som fick äran att förvalta EC:s arv den här gången.

Fem män träffas i en hiss. De vill åka till olika våningar, men hissen för ner dem i ett källarvalv. Där finns konjak framdukad på ett bord och fem fåtöljer. Männen slår sig ner och börjar prata. De kommer snart fram till att de alla plågats av fruktansvärda mardrömmar den senaste tiden och de börjar att återge dessa drömmar för varandra. I den första historien så letar Harold (Daniel Massey) efter sin försvunna syster. En privatdetektiv lyckas hitta henne och så snabbt Harold känner till var hon befinner sig mördar han mannen. Han åker till den lilla staden och börjar fråga efter systern. Men invånarna verkar vara rädda. De hävdar att något kommer fram så snabbt det blir mörkt. Nästa historia berättas av Arthur (skräckveteranen Terry-Thomas från bland annat de båda Dr. Phibes-filmerna). Han är en sjuklig pedant och hackar konstant på sin yngre och osäkra hustru bara hon flyttar en tidning. Slutligen får hon flipp. Sedan är det Sebastians tur (Curd Jurgens från The Mephisto Waltz). Han arbetar som illusionist och drömmer att han under en resa till Indien får se världens mest fantastiska trolleritrick. Sebastian går till extremer för att lära sig trickets hemlighet vilket får förödande konsekvenser. Maitland (Michael Craig) har också en mardröm han vill berätta om. I den planerar han och en vän ett försäkringsbedrägeri. Maitland ska ta ett Romeo och Julia-gift som får honom att bli skendöd. När han begravts ska vännen gräva upp honom och de ska dela på livförsäkringen. Men vännen har såklart inga planer på att hjälpa honom upp ur graven. Slutligen är det Moores tur (Tom Barker, alltså Dr. Who). Han är en konstnär och i drömmen bor han på Haiti. Moore får reda på att han blivit blåst på pengar av sin agent i maskopi med en galleriägare och en konstkritiker. Han uppsöker en voodoo-präst för att utkräva hämnd. Denna ger honom en förmåga att döda folk genom att måla deras porträtt och sedan förstöra dem.

The Vault of Horror är inte Amicus bästa antologifilm. Ramhistorien är alldeles för svag och vissa av berättelserna är lite för underutvecklade. Inte så konstigt eftersom filmen endast är lite över 80 min och klämmer in hela fem historier. Sämst är den om mannen som blir levande begravd. Den hade behövt en extra twist och känns ärligt talat ganska plump. Baker och Subotsky var dock så rutinerade att de sparade den absolut bästa historien till sist. Berättelsen om konstnären som använder voodoo för att hämnas på sina fiender är både ganska fyndig och välkonstruerad. Det är nog även den längsta historien av alla fem. Detta betyder dock inte att The Vault of Horror på något sätt är dålig. Likt övriga antologifilmer från Amicus så har den en ganska ”mysryslig” stämning. Skådespeleriet är mestadels bra och när det inte är det så är det i alla fall alltid charmigt. Särskilt Terry-Thomas är minnesvärd i en roll som han spelar över på helt rätt sätt. Lite oväntad brutalitet släng också in med effektivt resultat. Det är traditionella moralhistorier där de dåliga människorna får vad de förtjänar; vare sig det är av övernaturliga krafter eller ödets ironi (och ibland även av en sund portion svart humor). Väldigt många anser att detta är en av Amicus allra bästa antologifilmer, så felet kanske ligger hos mig. Mitt problem är att jag jämför de alla med Asylum och den triumferar med sin extremt välskrivna och oförutsägbara ramhistoria (signerad den fantastiska Robert Bloch, alltså författaren till Psycho). The Vault of Horrors största brist är just dess ramhistoria. Jag genomskådade den redan efter den första berättelsen och tyvärr så tror jag att ni också redan gjort det bara genom att läsa min beskrivning ovan…

Är du nyfiken på Amicus antologifilmer (och det borde du vara) så är The Vault of Horror en perfekt ände att börja i. De har gjort flera av världens allra bästa bidrag till denna subgenre (om man nu kan kalla skräckantologier för en genre) och de står sig starkt i konkurrensen med Mario Bavas Black Sabbath och George Romeros Creepshow. Om du ser denna före Asylum så är nog chansen stor att du kommer att gilla den mer än mig…

Trailern spoilar i princip allt som går att spoila i filmen. Lustigt att musiken har tagits från Asylum. Douglas Gamley skrev ju soundtracks till båda filmerna…

Jag har redan publicerat en LÅNG kärleksförklaring till Dario Argentos husband Goblin (och Fulcis favokompositör Fabio Frizzi). I det inlägget fokuserade jag på bandets erkänt fantastiska soundtracks. Men något som ofta glöms bort är att Goblin också släppte flera egna skivor som inte hade någon koppling till Argentos filmer. Det är funky och psykedelisk progressiv rock. Och den är hur jävla grym som helst! Som ett gammalt fan av postrock går jag igång som fan på sådan här musik. Här kommer ett litet axplock:

Jag såg om…

januari 31, 2012

…den här Stephen King filmatiseringen från 1983. En rabiessmittad Sankt Bernhard jagar E.T:s mamma. Jag kom ihåg filmen som ganska klaustrofobisk och spännande. Tyvärr anser jag inte samma sak nu femton år senare. Hela konceptet med att morsan och sonen är fast i en bil är bra, men regissören Lewis Teague (mannen bakom Alligator, en annan mördardjurfilm) lyckas inte alls skildra karaktärernas utsatthet. Det förekommer knappt någon dialog mellan mamman och sonen och saker händer mest i en rasande fart. För att ett sådant här koncept ska funka så måste man investera tid i både karaktärsuppbyggnad, dialog och detaljer. Till och med Frozen gör detta mycket bättre än den här filmen. Små saker måste kännas viktiga. I Cujo så öppnar huvudpersonen mest dörren, vilket får hunden att attackera, och stänger den igen. Gång på gång. Eftersom filmen är helt beroende av att klaustrofobin ska fungera, så blir det inget annat kvar förutom en jävligt tunn monsterfilm. Att det finns folk som kallar detta extremt rangliga bygge för en halvklassiker är bara sorgligt.

Jag är upptagen fram tills lördagen den fjärde februari, så jag hinner inte uppdatera förrän då. Ha det gött så länge!

Det brinnande skeppet anländer

Jag har redan varit inne på att jag anser att Wes Craven är överskattad. I samma vända nämnde jag även att The Serpent and the Rainbow är min personliga favorit bland hans filmer. Det är en moderniserad version av 30- och 40-talets ockulta voodoo-filmer, fast eftersom den är inspelad 1988 (och regisserad av Craven) så blev denna utdöda subgenre uppdaterad med både mer naken hud och mer grafiskt våld. Filmen är faktiskt en av Cravens bäst realiserade visioner rent manusmässigt (kanske för att den bygger på en roman) och är idag tyvärr lite bortglömd. Huvudrollen, som den amerikanska antropologen som reser till Haiti för att studera voodoo, spelas även extremt stabilt av en då ganska okänd Bill Pullman. Och så innehåller den självklart zombies. Fast inte i Romero-tappning utan istället influerat av voodoo-lore (alltså som en besvärjelse över sina fiender för att göra dem till levande döda slavar). Filmen är känd för den minnesvärda repliken: ”Don’t let them bury me! I’m not dead!” (en ganska tydlig referens till Edgar Allan Poes Fakta i fallet Valdemar). Fast det är inte den scenen jag minns bäst.

Istället så kommer jag ihåg när Bill Pullman står på stranden och ser det brinnande skeppet anlända. Uppenbarligen tyckte producenterna och filmbolaget också om scenen eftersom de placerade den på filmaffischen. Det är en drömsekvens och när skeppet kommer fram till strandkanten reser sig ett förruttnat lik ur båten. Scenen är egentligen inte mer komplicerad än så. Vad tittaren inte vet är att Pullman drömmer och fram tills detta ögonblick i filmen så har de övernaturliga aspekterna mest hintats. Scenens styrka är att det är ett väldigt välkomponerat jump scare. Det ligger en mystik över The Serpent and the Rainbow och denna mystik får sitt fulla utlopp i denna surrealistiska sekvens. Man har en känsla att något kommer att förklaras när Pullman får se vad båten fraktar. Uppbyggnaden är långsam och nerverna är därför på helspänn. Istället så får vi en chock. Cravens makeup-avdelning måste även få cred eftersom liket ser rejält skabbigt ut. Scenen gav mig mardrömmar länge efter att filmen var slut och jag får fortfarande gåshud när jag kollar på filmaffischen eller DVD-omslaget.

Det var länge sedan jag såg om The Serpent and the Rainbow senast. Jag känner att det börjar bli dags. Eftersom så många år har gått sedan jag såg filmen sist är jag lite rädd att den är mycket sämre än jag minns den. Men det är väl bara att ta tjuren vid hornen och åter igen sätta mig farmför denna film som gav mig mardrömmar när jag var yngre.

Eftersom jag inte hittade just den här scenen på nätet så får ni trailern istället.

The Innkeepers (2011)

januari 24, 2012

Nu har jag äntligen sett den! Vi pratar såklart om Ti Wests nya film The Innkeepers. Som ni säkert känner till vid det här laget så är jag ett stort fan av herr Wests The House of the Devil. Jag har tom gått så långt att jag kallat den för en av de absolut bästa amerikanska skräckfilmerna som kommit ut på denna sidan av millennieskiftet (något som jag helhjärtat står för). I den filmen lyckades West inte bara att återskapa den visuella stilen från en amerikansk skräckfilm från sent 70-tal, han lyckades även fånga stämningen från denna guldålder perfekt. Men vad är det egentligen mer som gjorde The House of the Devil så jävla bra? West har förstått en väldigt central aspekt i skräckfilmshantverket, nämligen att uppbyggnaden är allt. Tänk på din absoluta favoritrysare och jag garanterar dig att den lägger väldigt mycket tid på uppbyggnad under filmens första del. Den etablerar karaktärerna. Den sätter dom i helt vardagliga situationer. Den skapar en känsla av att något fruktansvärt kommer att hända. Ofta är detta parti filmens allra bästa del. Väntan på att helvetet ska braka loss är oftast mycket värre än själva helvetet (tänk förhörsteknik eller tortyr). Ti West är något av en uppbyggnadsfundamentalist. I House of the Devil visste han att förklaringen bakom varför det läbbiga paret lurat Samantha till huset aldrig kunde mäta sig med det som vi i publiken fantiserat ihop i våra huvuden. Därför avklarade han denna förklaring väldigt snabbt och korthugget i filmens sista tio minuter. The Innkeepers fortsätter detta stora fokus på uppbyggnad och att med små medel få oss att fatta att allt kommer att gå åt helvete. Men West spelar även ett annat lite oväntat kort den här gången. Han kör mycket på humor. The Innkeepers är en skräckkomedi. I alla fall i början. Det är en subgenre som är galet svårt att behärska. Oftast blir det inte speciellt kul och det sabbar skräcken. Att West sätter Sara Paxton (Last House on the Left remaken) och Pat Healy (Ghost World) i dessa roller är inte heller så betryggande. Hur fan blev det då i slutändan?

Claire (Paxton) och Luke (Healy) arbetar på det gamla hotellet Yankee Pedlar Inn. Jobbet är tråkigt och de roar sig bäst de kan. Luke har byggt en hemsida tillägnad hotellets eventuella övernaturliga fenomen och Claire sticker ut och handlar kaffe när hon har tråkigt. Arbetsmoralen förbättras inte av att duon fått reda på att de snart blir arbetslösa. Yankee Pedlar Inn ska stängas och tomten ska bli parkeringsplats. Ägaren har stuckit till Barbados och de två uttråkade hotellarbetarna är tvungna att ensamma arbeta den sista helgen hotellet någonsin kommer att ta emot gäster. Dessa är dock få. En gammal alkoholiserad såpastjärna (den förre detta 80-tals baben Kelly McGillis i en fantastisk roll) har tagit ett rum och en småbarnsmamma som stuckit från sin make (och som personalen stör sig på) har tagit ett annat. För att få tiden att gå beslutar sig Claire och Luke för att genomföra en paranormal utredning av Yankee Pedlar Inn. Det är ju trots allt sista chansen. Skrönor har länge cirkulerat om att hotellet är hemsökt och Luke hävdar tom att han sett saker. Claire är avundsjuk och vill också springa på ett spöke. Ska man tro vandringssägnerna så heter gasten Madeline O’Malley. När hennes make aldrig dök upp på deras bröllop hängde sig Madeline i ett rum på tredje våningen. För att undvika dålig publicitet gömde den dåvarande hotellägaren hennes lik i källaren för att sedan smuggla ut det. Affären uppdagades och sedan dess så sägs en vålnad i bröllopsklänning vandra korridorerna på Yankee Pedlar Inn. Eftersom ingen övernaturlig incident någonsin inträffat när folk är i närheten, så bestämmer sig arbetskamraterna att sova i pass. Den som är vaken genomför EVP-sessioner (electronic voice phenomena för er som inte kollar på Ghost Hunters). Claire är grymt peppad och tar första passet. Tyvärr hör hon mest brus. Vad hon inte vet är att detta är början på en helg som kommer att förända hennes liv…

Ojojoj. När jag satte mig ner med The Innkeepers så var jag verkligen nervös. Förväntningarna var skyhöga och jag var helt övertygad om att jag skulle bli besviken. Herregud vad fel jag hade. Jag fullständigt älskar den här filmen! För mig så är The Innkeepers en näst intill perfekt mix av komedi, arbetsplatsrelationer, karaktärer och skräck. Jag är nästan chockad över hur rolig filmen är i början. Humorn grundar sig i karaktärernas personligheter och deras relationer. Den är väldigt jordnära. Sara Paxton framstår som värsta komiska talangen här! Hon gör även en hel del väldigt rolig fysisk komik och förstärker sin karaktärer med diskreta miner och små ljud. Även Healy är otroligt charmig och paret har en strålande kemi. Det är väldigt uppenbart varför West väljer att skildra karaktärerna på det här sättet i början. Humorn och charmen gör att vi bryr oss om dom. Därför framstår filmens sista hälft som så himla mycket mer tragisk. Här skiljer sig The Innkeepers väldigt mycket från The House of the Devil. West har investerat mycket tid i att skriva karaktärerna och de är (hör och häpna) realistiska. Det fascinerande med filmen är att vi endast får se spökena i några få scener. De figurerar knappt i bild överhuvudtaget. Åter igen så triumferar Wests fundamentalistiska inställning till uppbyggnad. Effekten av dessa få scener i slutet blir extremt stark. Jag skrek faktiskt rakt ut i luften under den sista scenen i källaren (och det gör jag otroligt sällan). Ett långt tag förväntade jag mig knappt att få se några spöken alls. Det blir nästan traumatiskt när vi väl står öga mot öga med dom. En kommentar om filmen som jag läst på flera ställen, och som är en anledning till att många ogillar den, är att folk anser att inget runt hemsökelsen förklaras. Jag hade samma känsla precis när The Innkeepers var slut: ”Shit va coolt, men de sista scenerna säger ju nada!” Sedan började jag fundera på det och insåg långsamt vilken briljant liten spökhistoria West skrivit. The Innkeepers fördummar inte sina tittare utan presenterar sin handling med små medel. Det är som ett litet pussel och ingen av pusselbitarna saknas såvitt jag kan se. Det finns egentligen bara en liten sak jag stör mig på i detta annars mycket solida bygge. En handling som utförs framåt slutet känns kanske inte helt trovärdig. Men detta är en mindre petitess i sammanhanget.

På nästan alla punkter så är The Innkeepers en mer välgjord film än The House of The Devil. Den har mer realistiska karaktärer, mer trovärdiga relationer och ett bättre manus. Samtidigt så är det två väldigt olika filmer. Syftet med den förra filmen var att fånga en tidsanda och en stämning. Nu har West istället skapat en hypermodern och nästan socialrealistisk spökhistoria. Ett fascinerande möte mellan en amerikansk independenttradition och skräckgenren. Resultatet är helt jävla fantastiskt! Detta är absolut en av de allra bästa moderna amerikanska skräckfilmerna och en av de bästa skräckkomedierna på jag vet inte hur länge…

Trailern har legat uppe här på bloggen tidigare och den får filmen att se galet mycket mer generisk ut än vad den är. Den borde mer marknadsförts som en independentfilm med spöken!

Necronomicon (1993)

januari 21, 2012

Efter mycket skola och lite tid för film är nu Trash is King! tillbaka med en ny recension. Eftersom det varit ganska mycket brittisk skräck den senaste tiden (jag är inne i en Amicus-period) riktar vi nu blicken över Atlanten och in i 90-talet. Jag har flera gånger tidigare nämnt Stuart Gordons och Brian Yuznas adaptioner av HP Lovecraft, men aldrig fått tummen ur röven att faktiskt recensera någon av filmerna. Nu är det dags för den Yuzna-producerade Necronomicon (aka Necronomicon – Book of the Dead). Denna gång var inte Gordon involverad (vilket ofta betytt att resultatet varit sämre). Necronomicon följer inte heller mönstret från tidigare filmatiseringar av Yuzna och Gordon. Ofta har de valt en novell av den amerikanska skräckförfattare som de moderniserat och filmatiserat ganska löst. Necronomicon är istället en antologifilm där varje novell filmatiserats av en annan regissör, med väldigt olika resultat. De tre Lovecraft-historierna är The Rats in the Walls, Cool Air och The Whisperer in Darkness. Regissörerna är fransmannen Christophe Gans (Vargarnas Pakt och Silent Hill), japanen Shusuke Kaneko (Death Note) och Yuzna själv. Yuzna har även regisserat ramhistorien där Jeffery Combs spelar den legendariska skräckförfattaren. Jag skrev ovan att Yuznas egna Lovecraft-tolkningar ofta varit underlägsna de alster som Gordon regisserat. Stämmer detta in på Necronomicon också? Kanske inte riktigt. Yunza befinner sig i kompetent sällskap här. Necronomicon är nog en film som du antingen gillar eller avskyr som pesten. Det är en riktigt utflippad tolkning av Lovecraft (faktiskt ännu mer utflippad än Gordons filmatiseringar) och jag måste erkänna att det är galet underhållande!

I ramhistorien försöker HP Lovecraft (en, som vanligt, fantastisk Combs) att hitta den legendariska boken Necronomicon. Denna ockulta bibel skrevs av den ”galna araben” Abdul Alhazred under inflytande av De äldre (gudomliga varelser i Lovecrafts universum som en gång styrde världen). Lovecraft hittar boken i ett hemligt innerrum i ett ockult bibliotek och lyckas att skriva av delar av den. Hans anteckningar utgör de tre kortfilmerna som ryms i Necronomicon. Den första historien är The Drowned signerad Christophe Gans. Den handlar om Edward De Lapoer (Bruce Payne från bla Howling VI: The Freaks) som förlorat sin fru och son i en drunkningsolycka. Kort efter får han ärva ett hotell som oroväckande ligger ute på en klippa över havet. Han flyttar in där och snart börjar övernaturliga incidenter att hända. Om nätterna vandrar hans döda hustru in i hans sovrum och Edward är övertygad om att han håller på att bli galen. Sanningen är att hans nedbrutna psyke påverkas av en monstruös äldre som sover i havet under hotellet. Nästa historia (The Cold) är regisserad av Shusuke Kaneko och skildrar när Emily (Bess Meyer) återberättar för en reporter vad som hände när hon flyttade in i ett nedgånget hyreshus i Boston. Hennes fastighetsägare uppmanade henne att inte störa den professor (genrelegenden David Warner) som bodde i vindslägenheten. Men Bess kommer i kontakt med honom och lär sig snart hans hemlighet. Han måste döda för att få evigt liv. Yuzna själv har regisserat den sista historien i antologin som heter Whispers. Här jagar den unga polisen Sarah (Signy Coleman) en seriemördare som kallas The Butcher. Efter att hon och hennes partner (som även är hennes älskare) kraschar sin bil blir partnern indragen i ett övergivet hus. Sarah tar sig in och upptäcker snart att seriemördaren inte riktigt är vad hon trott…

Om jag börjar med det som är dåligt så finns det enorma skillnader i kvalitén på skådespeleriet i Necronomicon. Riktiga veteraner (Combs och Warner) paras ihop med folk som nästan verkar vara amatörer. Detta är dock en aspekt som jag kan bortse ifrån om filmen ändå underhåller. Ett annat (mindre) problem är att specialeffekterna växlar mellan att vara helt jävla fantastiska och småtattiga. Detta är inte heller så konstigt eftersom budgeten var väldigt begränsad. Vad är bra då? De tre regissörerna ger sina egna väldigt olika tolkningar av Lovecraft. Gans The Drowned är nog den av kortfilmerna som är mest trogen den amerikanska skräckförfattaren. Fransmannen fångar skickligt Lovecrafts stämning och det finns en mörk, lätt poetisk ådra i hans avsnitt. Tyvärr innehåller också detta segment de sämsta specialeffekterna (och de som är mest överambitiösa). Yuzna gör det han brukar göra i sin del och ger oss en extremt utflippad tolkning av Lovecraft. Det är rikligt med spektakulärt gore och kul (men inte helt troget källmaterialet). Överlägset bäst är Shusuke Kaneko. Hans blandning av mysterium, splatter och märkligt vemodig stämning kanske inte känns så Lovecraft, men gör The Cold till en riktigt intressant liten skräckhistoria. Något som alla tre historierna har gemensamt är dock att de är riktigt underhållande. Samtliga regissörer håller ett högt tempo och lyckas lämna sitt personliga avtryck på Lovecrafts noveller. Det är (totalt sett) mycket gore, sleaze och och många utflippade infall. Och hur kan du inte älska en film där Jeffery Combs spelar den den mytomspunne författaren från Rhode Island?

Gillar du någon av Yuzna/Gordons övriga Lovecraft-filmatiseringar så måste du absolut se Necronomicon. Är du nyfiken på dom så är den här filmen en bra början. Du får tre unika visioner och om du inte gillar någon av dom så kan du bara hoppa till nästa! Dock tror jag inte den här filmen är för alla. Stör du dig på låga produktionskostnader och blir provocerad av dåligt skådespeleri så ska du nog se dig om efter något annat.

Filmen var straight to video och trailern är kort och koncis. Ganska lustig dock…